Íñigo Echávarri

“SuperEscolares 2. Una mente sana”

¿Cuál fue la chispa inicial que dio vida a esta historia y qué buscabas transmitir al espectador?

La idea nació de una preocupación muy real y actual: la salud mental infantil. Vivimos en una época donde los niños reciben muchísimos estímulos, presión y sobreinformación, pero a veces hablamos poco de cómo se sienten realmente.

Quería hacer una historia accesible, luminosa y emocionalmente cercana, capaz de conectar tanto con niños como con adultos. Mi intención nunca fue hacer un discurso dramático, sino utilizar la animación y el lenguaje audiovisual para hablar de algo importante desde la empatía, el humor y la aventura.

También me interesaba demostrar que las herramientas de IA pueden utilizarse para crear obras con sensibilidad y mensaje, no solo como una demostración tecnológica.

¿Qué influencias cinematográficas, artísticas o personales inspiraron el proyecto?

A nivel visual hay influencias claras del cine de animación familiar contemporáneo, especialmente películas capaces de mezclar entretenimiento y emoción de forma muy universal.

Desde el principio tuve claro decantarme por un lenguaje visual cercano al de Pixar y Disney por su enorme capacidad para sintetizar emociones complejas a través de personajes muy expresivos y cercanos. Además, el público infantil ya está profundamente familiarizado con este tipo de estética y narrativa visual, lo que facilita todavía más la conexión emocional y la llegada del mensaje.

A nivel personal, me interesaba explorar cómo los niños perciben el estrés, la ansiedad o la presión del entorno desde una mirada más inocente y humana.

¿Cómo describirías el universo visual del cortometraje?

Es un universo de animación 3D colorido, cálido y optimista. Desde el principio busqué una estética capaz de captar rápidamente la atención visual y narrativa del público infantil, utilizando un lenguaje reconocible, cercano y emocionalmente accesible para ellos.

Trabajé con personajes muy expresivos y un entorno visual atractivo, dinámico y emocionalmente acogedor. La idea era que los niños entraran fácilmente en la historia y conectaran de forma natural con los personajes y el mensaje.

¿Cómo decidiste integrar la IA en su proceso?

Para mí la IA no sustituye el proceso creativo, sino que amplifica las posibilidades del creador. La IA me permitió acelerar procesos de visualización, diseño y generación de planos, pero siempre bajo una dirección artística muy concreta y guiada. Detrás de cada imagen hay muchísima toma de decisiones humanas: encuadre, ritmo, tono, actuación, raccord, iluminación o puesta en escena.

Cuéntanos sobre tu “laboratorio creativo”: ¿Qué herramientas IA usaste y qué papel jugaron en la narrativa?

Para el desarrollo visual inicial utilicé principalmente Midjourney, que me permitió explorar distintos estilos gráficos, definir el aspecto de los personajes y encontrar una identidad visual coherente con el tono infantil y emocional de la historia.

Posteriormente trabajé la consistencia visual y continuidad de personajes y escenarios con Flux 1 y sistemas apoyados en LoRAs personalizados dentro de la plataforma de Freepik.

La animación y generación de movimiento se realizó combinando distintas herramientas “image to video” como Kling AI, Minimax, Runway, Seedance o Midjourney Video. Cada una ofrecía soluciones diferentes según el tipo de plano, actuación o movimiento que necesitábamos.

Para las voces utilizamos ElevenLabs, trabajando la interpretación mediante prompts específicos para ajustar tono, energía, intención y personalidad de los personajes protagonistas, buscando siempre una expresividad adecuada para público infantil.

La sincronización labial (lip sync) se trabajó con Hedra, Kling AI y Act-To-One de Runway, dependiendo de las necesidades técnicas y expresivas de cada escena.

Y ChatGPT para la generación de promts, la estructuración de ideas, refinado, búsqueda de soluciones y aceleración de procesos creativos dentro del pipeline de producción.

El proceso se completó con herramientas tradicionales como Photoshop, After Effects y Premiere Pro, fundamentales para corregir errores, mejorar continuidad, adaptar ritmos narrativos y dar cohesión final a la obra.

¿Cuál fue el obstáculo técnico o creativo más difícil al trabajar con estas herramientas?

La producción se inició en marzo de 2025, en un momento en el que las herramientas de IA estaban todavía mucho menos desarrolladas que hoy. Aún no existían herramientas como Nano Banana, Veo 3 o 4, ChatGPT Design o Seedance 2.0, y conseguir continuidad visual entre planos era extremadamente complejo.

Había muchas limitaciones técnicas, especialmente en aspectos como el lip sync, pero el gran reto fue, sin duda, mantener la consistencia visual y narrativa entre secuencias. Las herramientas de IA todavía presentan dificultades para conservar con precisión personajes, iluminación, vestuario, atrezo o puesta en escena a lo largo de escenas largas.

Gran parte del trabajo consistió en iterar constantemente, corregir errores, rehacer planos y combinar la generación con IA con herramientas tradicionales de diseño y postproducción como Photoshop o After Effects para conseguir una experiencia cinematográfica coherente y sólida.

¿En qué parte del proceso sentiste que tu visión artística fue más necesaria para “guiar” a la tecnología?

En prácticamente todo el proceso. La IA puede generar imágenes rápido, pero no entiendía el subtexto emocional, el ritmo dramático o la intención de una escena. Ahí es donde la dirección humana sigue siendo absolutamente esencial.

La diferencia entre una pieza interesante y una obra que conecta emocionalmente sigue estando en las decisiones creativas humanas.

¿Qué desafíos encontraste durante la realización?

El principal desafío fue convertir una tecnología todavía muy cambiante e impredecible en una herramienta útil para una producción cinematográfica real.

Cada escena requería bastante experimentación y adaptación constante porque las herramientas evolucionaban incluso mientras desarrollaba el proyecto.

Reflexión final

Estamos viviendo un cambio de paradigma en el audiovisual. La IA abre posibilidades enormes para creadores independientes y nuevos modelos de producción, pero sigue necesitando algo fundamental: visión humana.

No existe un “botón mágico” para hacer cine. Sigue siendo necesario criterio, sensibilidad, experiencia y capacidad narrativa. La tecnología puede ayudar a imaginar más rápido, producir de otra manera y explorar nuevos lenguajes visuales, pero las historias siguen naciendo de las personas.

SINOPSIS:

Amaya y Telmo disfrutan de un día de juegos donde el chico descubre que la mente funciona como un motor que necesita energía para seguir adelante. Con humor, ternura y la complicidad de su amistad, aprenden que hablar, jugar y pedir ayuda son claves para cuidar la salud mental. Un cortometraje entrañable, pensado para los más pequeños, que transmite con un tono amable y educativo un mensaje universal para la infancia y sus familias.